Il y a des chansons que l’on reconnaît immédiatement dès les premières secondes. Une introduction au violon, un rythme marqué par des claquements de mains, et en quelques secondes, presque tout le monde dans le monde sait quelle chanson va suivre. “Come On Eileen” est l’une de ces chansons. Elle semble joyeuse, presque exubérante, mais derrière cette apparence festive se cache une histoire de persévérance, de racines redécouvertes et d’un groupe qui refusait de se laisser enfermer dans un seul style. Voici l’histoire de la chanson qui a fait danser toute une génération, et du groupe qui l’a créée.
Dexys Midnight Runners
Dexys Midnight Runners a vu le jour à la fin des années 1970 à Birmingham, qui était alors une ville dotée d’une scène soul florissante et d’une forte identité ouvrière. Le groupe a été fondé par le chanteur Kevin Rowland, avec Kevin Archer, et s’est rapidement développé pour devenir un collectif doté d’une identité visuelle soigneusement élaborée et d’un style musical profondément enraciné dans la Northern Soul et le rhythm and blues. Rowland était connu pour son attitude intransigeante : les membres du groupe portaient des tenues uniformes, les interviews étaient soigneusement contrôlées et la vision artistique passait avant tout, même si cela se faisait au détriment de la popularité à court terme.
Le premier album a apporté au groupe son premier grand succès, un disque de soul énergique qui a attiré l’attention du public britannique. Une période d’expérimentation a suivi. Rowland a ajouté des violons au son du groupe, ce qui était inhabituel à l’époque pour un groupe de soul, et s’est inspiré de la musique folk irlandaise. Cette combinaison de soul, de folk et de new wave allait finalement constituer la base du son qui a rendu le groupe célèbre dans le monde entier. La formation de Dexys Midnight Runners a constamment changé au cours de ces années. Seuls Rowland et le tromboniste Jim Paterson sont restés dans le groupe malgré tous ces changements, tandis que la violoniste Helen O’Hara et le guitariste Billy Adams ont rejoint le groupe au début des années 1980 et ont commencé à jouer un rôle important dans ce nouveau son.
Come On Eileen
Avec ce nouveau son influencé par le folk, le groupe a enregistré une chanson qui allait devenir son plus grand succès. La chanson commence par un solo de violon aux accents celtiques sur un simple rythme de batterie, puis le piano et la basse reprennent la mélodie. Ce qui rend cette chanson si particulière, c’est son mouvement constant : elle change de tonalité et de tempo, avec un couplet dans une tonalité différente de celle du refrain, ainsi qu’une partie centrale où le tempo augmente progressivement jusqu’à atteindre un sommet exubérant, presque à bout de souffle. À une époque où les synthétiseurs et les sons électroniques dominaient les classements, ce disque a au contraire privilégié des instruments acoustiques comme le violon, le banjo et le piano, sans la moindre guitare électrique.
L’inspiration du refrain venait en partie d’une chanson soul d’un groupe britannique des années 1960, tandis que les paroles elles-mêmes dégagent une atmosphère personnelle sans faire référence à un événement précis. La chanson est sortie en 1982 dans le cadre d’une série de singles publiés par le groupe cette année-là, et son succès a été écrasant. Au Royaume-Uni, elle a atteint la première place et y est restée pendant plusieurs semaines, devenant finalement le single le plus vendu du pays cette année-là. La chanson a également rencontré le succès ailleurs. Elle a atteint la première place en Australie, en Irlande, en Nouvelle-Zélande, en Belgique, en Suisse et en Afrique du Sud, entre autres, et a également atteint le sommet du classement américain au début de 1983, interrompant le règne de sept semaines d’un grand succès de Michael Jackson. Une semaine seulement plus tard, la première place a de nouveau changé de mains, cette fois au profit d’un autre succès du même artiste, ce qui montre à quel point le passage au sommet a été bref, mais intense.
Comparée au reste de la musique populaire de l’époque, la chanson se distinguait nettement. Le début des années 1980 était dominé par la synthpop et la new wave au son précis et électronique. Au milieu de ce flot de boîtes à rythmes et de synthétiseurs, cette chanson sonnait de manière acoustique et quelque peu rétro, tout en étant étonnamment fraîche, avec une chaleur qui ne correspondait pas à la production froide de nombreux artistes contemporains. Cette combinaison de familiarité et d’originalité est souvent citée comme l’une des raisons pour lesquelles la chanson est encore diffusée des décennies plus tard, alors que de nombreux autres succès de la même période sont désormais oubliés.
Save Ferris
Une chanson dotée d’une mélodie aussi forte et d’une énergie aussi reconnaissable incite rapidement d’autres artistes à en créer leur propre version. L’une des reprises les plus connues est venue d’un groupe américain de ska et de pop punk originaire de Californie, qui a percé au milieu des années 1990. Ce groupe, formé autour d’une chanteuse à la voix puissante et affirmée, a transformé la chanson en un morceau de ska au tempo rapide, en remplaçant en grande partie les cordes originales par une section de cuivres. La reprise a été diffusée par une station de radio influente de Los Angeles et est devenue l’un des morceaux les plus connus du premier album du groupe.
Cette reprise a fait découvrir la chanson à une toute nouvelle génération d’auditeurs, qui ne savaient peut-être même pas qu’il s’agissait d’un titre du début des années 1980. C’est un bel exemple de la manière dont une composition peut s’adapter à un autre esprit du temps et à un autre genre sans perdre l’essence de sa mélodie. Outre cette version ska, la chanson a été reprise au fil des ans par de nombreux autres artistes, dans des styles allant du folk rock au metal, en passant par des adaptations électroniques, ce qui montre à quel point cette composition est polyvalente.
Too-Rye-Ay
La chanson figurait à l’origine sur le deuxième album studio du groupe, un disque qui a définitivement orienté le son du groupe vers son style soul inspiré du folk. L’album a été enregistré dans un studio rural en Angleterre et contenait, outre le titre éponyme, plusieurs autres singles qui ont obtenu de bons résultats dans les classements. Le disque a été produit par Rowland lui-même, avec deux producteurs qui avaient déjà travaillé avec d’autres groupes de new wave, et associait des arrangements de cuivres d’une précision redoutable aux nouvelles parties de violon.
L’album a été bien accueilli tant commercialement que par la critique et est devenu le disque le plus vendu du groupe. Il a atteint une place élevée dans le classement britannique des albums et a été salué pour sa capacité à fusionner la soul, le folk et la new wave sans que le résultat paraisse forcé. Le titre de l’album lui-même provient directement des paroles du grand single à succès, soulignant une fois de plus le lien étroit entre le disque et la chanson.
Jackie Wilson Said
Après l’immense succès du single précédent, le groupe a publié un nouveau titre qui provenait également du même album. Il s’agissait d’une reprise d’une chanson soul écrite à l’origine par un auteur-compositeur-interprète nord-irlandais, qui rendait hommage à un chanteur américain de rhythm and blues des années 1950 et 1960. La version du groupe est devenue un succès apprécié au Royaume-Uni, où elle a atteint la cinquième place du classement, même si son succès n’a pas approché celui du grand titre précédent.
En dehors du Royaume-Uni, l’impact de cette chanson est resté plus limité, avec des positions modestes dans les classements de quelques pays européens. Néanmoins, elle est toujours considérée comme l’un des moments les plus marquants du répertoire du groupe, notamment grâce à une prestation télévisée mémorable au cours de laquelle une mauvaise image d’arrière-plan a été affichée par erreur, une anecdote qui est encore évoquée aujourd’hui avec un certain humour lorsque le groupe est mentionné.
L’histoire de ce single est finalement celle d’un groupe qui est allé à contre-courant de la mode musicale dominante et qui a justement remporté le succès grâce à cela. Alors que le monde autour de lui passait aux synthétiseurs et à une production électronique rigoureuse, ces musiciens sont revenus aux instruments acoustiques et à une énergie irrésistible difficile à enfermer dans un seul genre. Le fait que le résultat ait rencontré un succès mondial, de l’Europe à l’Amérique et à l’Océanie, prouve qu’une mélodie bien écrite peut être intemporelle, quelles que soient les tendances dominantes. Des décennies plus tard, la chanson sonne toujours aussi fraîche, continue d’être reprise par de nouvelles générations d’artistes et reste l’un des joyaux les plus reconnaissables de la musique pop du début des années 1980.
