Dans un espace de répétition exigu niché dans le quartier musical de Nashville, Hayloft peaufine sa setlist avant de partir en tournée. Le quartet—David Goodheart à la guitare, Andrew Kaiser au chant, Paul Owen à la batterie, et Emilio Cueto à la basse—évolue avec l’aisance rodée de musiciens qui ont trouvé leur rythme. Mais il y a quelque chose de différent chez ce groupe, quelque chose qui les distingue dans la scène musicale sursaturée de Nashville.
« À Nashville, le talent est partout », explique Kaiser en ajustant son pied de micro. « Tu peux shredder toute la nuit et personne ne s’en souciera à moins que tu ne rendes ça mémorable. » C’est cette philosophie qui a poussé Hayloft à devenir ce que beaucoup considèrent comme l’un des nouveaux groupes live les plus excitants à surveiller, surtout après la sortie de leur album de début « Tomato/Tomato ».
L’histoire des origines du groupe se lit comme un conte de fées musical moderne. Goodheart et Kaiser se sont d’abord croisés au travail, où leur amitié s’est épanouie autour d’obsessions musicales partagées. « Plus nous traînions ensemble, plus nous réalisions combien d’artistes nous avions en commun », se souviennent-ils, énumérant des influences qui vont d’Everything Everything et Dream Theater à Mother Mother et Paramore. Quand Owen et Cueto ont rejoint le groupe, chacun a apporté son propre ADN musical dans le mélange, mais ces favoris fondamentaux partagés sont devenus le socle de la chimie distinctive de Hayloft.
Leur son—souvent qualifié de « rock indé prog-adjacent »—a émergé organiquement plutôt que par un mélange de genres calculé. « Nous avons vraiment juste composé avec les genres que nous connaissions », explique le groupe. Puisant dans le folk et l’americana jusqu’à la musique de jeux vidéo, les bandes sonores de films et les arrangements choraux, leur musique filtre des influences diverses à travers un engagement vers l’aventure sans sacrifier l’accessibilité. « Le son Hayloft a fini par être ce nexus naturel entre nous tous. Ce n’était pas conçu, c’est juste arrivé. »
Cette acceptation d’influences éclectiques est portée fièrement sur leurs manches. « Nous appellerons littéralement une section “la partie MUSE” ou “la partie Beatles” », rient-ils. « Emilio apporte ses racines de jazz latin, Dav expérimente avec des sections montuno, et le background percussion unique de Paul continue d’infiltrer le son de la meilleure façon. C’est vraiment excitant d’entendre où toutes ces choses entrent en collision. »
Quand est venu le temps de créer « Tomato/Tomato », l’approche du groupe a défié les conventions de l’industrie. Plutôt que de construire vers un album à travers des singles, ils ont d’abord terminé l’album complet. « Nous avions tout l’album fini avant de choisir les singles », expliquent-ils. « C’était plutôt de demander, “Quelles chansons nous représentent le mieux tout en étant les plus approchables ?” Les singles servent à attirer les gens, puis l’album vous permet de plonger plus profondément. »
Parmi les pistes, « “Adjusted” est amusante parce qu’elle retourne la structure normale », notent-ils avec une fierté évidente. « Nos couplets portent plus d’énergie que les refrains. » Mais c’est « “No Wonder” » qui a une signification spéciale—une chanson qui a presque été écartée. « Elle est devenue ce mélange sauvage de sections inspirées des Beatles, de refrains chromatiques sinueux, et d’un outro théâtral avec des changements de tonalité. Celle-ci a failli ne pas faire l’album, mais quand ça a cliqué, ça a vraiment cliqué. Maintenant c’est un favori des fans. »
Le titre ludique de l’album a émergé d’un moment tout aussi spontané. « L’histoire est venue en mangeant des chips et de la salsa sous le tatouage d’un serveur qui se traduisait par “Live” en anglais. Était-ce “to live” ou “alive” ? Nous avons ri et dit, “Tomato/Tomato.” Puis nous nous sommes tous regardés et nous savions. C’est ça. » Le titre reflète la philosophie du groupe : « C’est ludique, mais aussi interprétatif. Tu peux le prononcer comme tu veux, tout comme tu peux expérimenter l’album comme tu veux. »
Là où Hayloft se distingue vraiment, c’est dans leurs performances live, qu’ils décrivent comme des « expériences de taille d’arène dans de petits lieux ». Ce concept n’a pas émergé de l’ego ou de l’ambition seule, mais d’une compréhension plus profonde de ce qui rend la musique live mémorable. « Tout est dans la narration », expliquent-ils. « Nous voulions construire un set qui coule comme une histoire, avec tension et relâchement. »
Cette vision les a menés à investir dans des écrans LED de 6 pieds, des visuels live, et des éléments de narration immersive qui transforment les spectacles de clubs intimes en quelque chose de beaucoup plus grandiose. « Parfois Pikachu se glisse même pendant nos reprises de jeux vidéo », rient-ils, révélant le côté ludique de leurs ambitions théâtrales.
Leurs valeurs de production ont évolué dramatiquement depuis leurs débuts humbles. « Nous avons commencé avec juste nos instruments et Ableton. Maintenant nous avons des écrans, et les éclairages sont probablement la prochaine étape. Nous aimerions ajouter de la technologie interactive pour les fans, mais la seule limite est combien d’équipement notre van peut transporter. »
L’investissement dans le spectacle a payé des dividendes dans la connexion avec l’audience. Bien qu’ils sourient au souvenir de quelqu’un leur disant, « Vous devriez dire aux gens que vous êtes vraiment bons », ce sont les éloges de leurs confrères musiciens qui résonnent le plus profondément. « Le moment le plus émouvant est venu de Courtney Swain de Bent Knee. Même pendant un set où les problèmes techniques nous ont déstabilisés, elle a loué notre passion et talent sur scène. Ça signifiait le monde pour nous. »
Alors qu’ils se préparent pour une tournée ambitieuse incluant le Southeast Indie Fest avec des arrêts à Nashville, Muncie, Chicago, et Detroit, leur philosophie de booking reflète la nature communautaire de leur croissance. « Tout est networking et amitiés. Zuko de MoreDopeMusic nous a amenés dans SEIF, des groupes du Midwest nous ont présentés à des lieux, et des amis à Detroit nous ont connectés avec leur scène. Tout est dans les gens, pas juste les lieux. »
Leurs horizons s’étendent bien au-delà du Midwest américain. « Des fans au Portugal et en Italie demandent déjà des spectacles. L’Europe est définitivement sur notre radar », révèlent-ils. Quand on leur demande d’amener leur spectacle immersif sur des scènes internationales, leur réponse est immédiate : « Absolument. Nous ne voudrions rien de plus que d’amener cette installation outre-mer. »
Équilibrer leurs ambitions studio avec les réalités de performance live nécessite un recalibrage constant. « Nous marchons sur une ligne fine entre faire un son studio complet et nous assurer que nous pouvons le recréer fidèlement en live. Parfois nous luttons, mais quand nous atteignons cet équilibre, l’énergie est incroyable. Un cinquième membre pour les claviers pourrait être notre prochain mouvement. »
Le processus créatif derrière « Tomato/Tomato » était, dans leurs mots, « le chaos dans le meilleur sens ». « Tout le monde jetait des idées, ce qui n’était pas la méthode la plus rapide, mais ça nous a donné un résultat riche. » Ils ont depuis rationalisé leur approche : « Pour les nouvelles chansons, Kaiser apporte habituellement les idées précoces, les paroles, et les mélodies. Dav les façonne avec le “Traitement Hayloft,” puis Emilio et Paul ajoutent leurs couches. C’est un pipeline qui laisse tout le monde briller. »
Ce processus raffiné porte déjà ses fruits. « Deux chansons post-album sont dans le set live maintenant, et plusieurs autres sont proches. Ces chansons reflètent notre croissance à travers les changements de lineup mais gardent notre ADN intact. Rythmes syncopés, progressions d’accords inhabituelles, riffs brûlants. Nous ne savons pas comment arrêter d’écrire, et nous n’allons pas essayer. »
En regardant en arrière sur leur parcours, « “No Wonder” se démarque » comme un point tournant. « Elle a traversé six versions différentes avant que nous atterrissions sur la bonne. Quand nous l’avons fait, ça a ressenti comme un moment de percée. »
Leur connexion avec les fans s’étend au-delà de la scène à travers les médias sociaux et les interactions après-spectacle. « Nous aimons partager les moments coulisses, les clips d’écriture de chansons, les moments de répétition idiots. C’est ce que nous aimons voir d’autres groupes, donc nous donnons ça à nos fans. Et honnêtement, venez nous parler après les spectacles. Nous sommes toujours partants pour discuter, ou pour avoir de l’aide à la table de merch. »
Pour les artistes émergents naviguant leurs propres chemins, le conseil de Hayloft est rafraîchissant de directité : « Soyez vous-mêmes, complètement. Quel que soit votre vibe, penchez-vous dedans. Et n’ayez pas peur de tenter votre chance. Envoyez un DM à ce groupe plus grand ou ce lieu. Vous ne savez jamais ce qui pourrait arriver. L’année dernière Kaiser a fini par chanter avec Leprous à cause d’un DM. Allez-y simplement. »
Alors que notre conversation se termine et que le groupe se prépare à charger leur van avec un impressionnant éventail d’équipement, il est clair que Hayloft représente quelque chose de spécial dans le paysage actuel du rock indé. Ils ont réussi à être à la fois profondément personnels et plus grands que nature, créant de la musique qui satisfait les nerds prog tout en restant accessible aux auditeurs occasionnels, et créant des expériences live qui se sentent massives peu importe la taille du lieu.
Avec leur album de début ambitieux récoltant des éloges critiques, leurs spectacles immersifs attirant des fans dévoués, et leur créativité implacable produisant déjà de nouveau matériel, la trajectoire de Hayloft semble pointée vers ces scènes internationales dont ils rêvent de jouer. Alors qu’ils continuent leur voyage depuis les espaces de répétition de Nashville vers une reconnaissance potentiellement globale, une chose devient abondamment claire : leur histoire ne fait que commencer, et les meilleurs chapitres pourraient encore être non écrits.
Photo (c) (c) Sasha Gorkovenko
